Высокий Ренессанс
Первые три десятилетия культурного развития Италии в XVI веке на редкость богаты яркими талантами. Это время теснейшего взаимодействия различных сфер художественного и интеллектуального творчества на основе упрочившейся общности новых мировоззренческих позиций, а разных видов искусства – на основе новой, ставшей единой для всего их ансамбля стилистики. Культура Возрождения обрела в эту пору небывалую мощь и широкое признание в итальянском обществе, активно воздействуя на весь ход процессов культурного развития страны. В немалой степени этому способствовали успехи гуманизма, достигнутые к концу XV в. Гуманистический идеал свободной и гармонической личности, обладающей безграничными возможностями познания мира и созидательной деятельности, в пору Высокого Возрождения был с особой наглядностью воплощен в изобразительном искусстве и литературе, нашел новое осмысление в философской и политической мысли. Тогда же обрела зрелые формы и ренессансная эстетика, которая складывалась преимущественно на неоплатонической основе, но испытала также влияние поэтики Аристотеля. Эстетика обогащалась новыми идеями, рождавшимися в творчестве великих мастеров – Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, в многочисленных философских трактатах о любви. Идеалы красоты и гармонии всесторонне осмыслялись и даже становились своеобразной нормой, воздействовавшей на самые разные виды творческой деятельности: внутренняя гармония и совершенство формы произведений стали характерной приметой эпохи. Близость эстетических подходов и художественного стиля, достигшего классических черт и выразительности, создавала определенное единство искусства и литературы, игравших ведущую роль в культуре Высокого Возрождения.
К ценностям Ренессанса активно приобщались не только придворно-аристократические круги, но и часть духовенства католической церкви. Меценатство стало весьма заметным социально-культурным явлением в Италии. В стране, где сохранялся государственный полицентризм, дворы правителей, привлекавших к себе на службу художников и архитекторов, литераторов и историков, политических мыслителей и философов, оказывались главнейшими средоточиями ренессансной культуры. В щедром меценатстве от правителей Милана и Неаполя, Мантуи и Феррары, Урбино и Римини не отставал и папский двор. В республиках Флоренции и Венеции развивалась традиция государственных заказов и частного покровительства деятелям культуры. В то же время система меценатства, ставшая для многих из них основным источником средств существования, налагала определенную печать на их творчество, заставляя учитывать интересы и вкусы заказчика.
Леонардо да Винчи (1452 – 1519) едва ли имеет равных себе по степени одарённости и универсальности среди представителей Возрождения. Сложно назвать отрасль, в которой бы он не достиг непревзойдённого мастерства. Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, механиком, астрономом, физиологом, ботаником, анатомом, обогатив эти и многие другие сферы знаний открытиями и гениальными догадками.
Леонардо обучался во Флоренции, в мастерской знаменитого художника Верроккьо. Первое полотно, получившее впоследствии широкую известность, – "Мадонна Бенуа" (ок. 1478). Затем следует ряд крупнейших творений, вошедших в историю искусства: "Поклонение волхвов", "Святой Иероним", "Мадонна в гроте", наконец, "Тайная вечеря" – вершина творчества художника. Последний период творческой деятельности Леонардо отмечен такими произведениями, как "Мона Лиза", "Святая Анна", "Иоанн Креститель" и др. Помимо крупных живописных полотен Леонардо да Винчи оставил после себя массу рисунков, набросков, которые представляют особый интерес, – в них творческая лаборатория художника и мыслителя. Для произведений Леонардо характерна геометрическая строгость композиции и научный подход к анатомическому строению человеческого тела. Живопись для него не только искусство, но и наука, – одновременно экспериментальная и теоретическая.
Это был "человек глаза", потому что был чрезвычайно наблюдателен и выше всего ценил наглядность, а не рассуждения. С виртуозной изобретательностью он постоянно занимался проектами технических устройств и поисками научных открытий. В ряде случаев он предвосхитил современную технику. В его бумагах найдены проекты технических устройств, весьма похожие на современные. Однако Леонардо не довел ни одно из своих гениальных прозрений (за исключением живописных) до практической реализации.
Великий живописец Италии Рафаэль Санти (1483 – 1520) вошёл в историю мировой культуры как создатель ряда живописных шедевров. Рафаэль был учеником Перуджино и в юности как художник был похож на своего учителя. Однако даже в самых ранних его произведениях заметен иной почерк художника. "Мадонна Конестабиле" (так названная по имени ее прежнего владельца). Нет образа более лирического, как и более крепкого по своей внутренней структуре. Какая гармония во взгляде мадонны, наклоне ее головы и в каждом деревце пейзажа, во всех деталях и композиции в целом!
К флорентийскому периоду творчества Рафаэля относится его автопортрет, написанный в 1506 г. (Флоренция, Уффици) в двадцать три года. И, глядя на его автопортрет, как не согласиться с итальянским писателем Дольче, его младшим современником, который говорит, что Рафаэль любил красоту и нежность форм, потому что сам был изящен и любезен, представляясь всем столь же привлекательным, как и изображенные им фигуры. Примерно в те же годы им написаны "Мадонна в зелени", "Мадонна со щегленком", "Прекрасная садовница", отмеченные новыми, более сложными композиционными исканиями и высоким мастерством, идущим от четкой живописной традиции флорентийской школы.
В Риме искусство Рафаэля достигло расцвета. Зрелые работы живописца выделяются совершенством композиционных решений, колоритом экспрессией. Наиболее полное и органичное сочетание духа свободы и мысли воплощено Рафаэлем во фреске "Афинская школа" (1508-1511). "Сикстинская мадонна" (так названная по имени монастыря, для которого был написан этот алтарный образ) – самая знаменитая картина Рафаэля. Мастер получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, церкви и небольшой часовни в Ватикане.
Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564) – великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют, прежде всего, первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника – росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508 – 1512). Общая площадь фрески 600 квадратных метров. Многофигурная композиция фрески представляет иллюстрацию библейских сюжетов от сотворения мира. Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска алтарной стены Сикстинской капеллы "Страшный суд", написанная спустя четверть века после росписи потолка Сикстинской капеллы. В этой фреске воплотились лучшие гуманистические идеалы Возрождения. Смелость художника в изображении обнажённых тел вызвала негодование клира, что свидетельствовало о наступлении реакции на основы идеологии Возрождения.
Как скульптор Микеланджело стал известен благодаря своему раннему произведению "Давид". Но подлинное признание как архитектор и скульптор он обрёл в качестве проектировщика и руководителя строительства основной части здания Собора св. Петра в Риме, а также за скульптурное оформление лестницы и площади Капитолийского холма. Не меньшую известность принесли мастеру архитектурные и скульптурные работы во Флоренции.
На период Высокого и Позднего Возрождения пришёлся расцвет искусства в Венеции. Во второй половине XVI века Венеция, сохранившая республиканское устройство, становится своеобразным оазисом и центром Ренессанса. Из мастерской Джанбеллино вышло два великих художника Высокого венецианского Возрождения: Джорджоне и Тициан.
Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, по прозванию Джорджоне (1477 – 1510), – прямой последователь своего учителя и типичный художник поры Высокого Возрождения. Он первый на венецианской почве обратился к темам литературным, к сюжетам мифологическим. Пейзаж, природа и прекрасное нагое человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом поклонения. Чувством гармонии, совершенством пропорций, линейным ритмом, мягкой светописью, одухотворенностью и психологической выразительностью своих образов и вместе с тем логичностью, рационализмом Джорджоне близок Леонардо, который, несомненно, оказал на него и непосредственное влияние, когда проездом из Милана в 1500 г. был в Венеции. Но Джорджоне более эмоционален, чем великий миланский мастер, и как типичный художник Венеции интересуется не столько линейной перспективой, сколько воздушной и главным образом проблемами колорита. Джорджоне обессмертил своё имя полотнами "Юдифь", "Спящая Венера", "Сельский концерт".
Тициан Вечеллио (1477/1487 – 1576) – величайший художник венецианского Возрождения. Он создал произведения и на мифологические, и на христианские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование исключительно, композиционная изобретательность неисчерпаема, а его счастливое долголетие позволило ему оставить после себя богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков. Впервые на его полотнах появляется изображение толпы как части композиции. Тициан родился в Кадоре, маленьком городке у подножия Альп, учился, как и Джорджоне, у Джанбеллино, и первой его работой (1508) была совместная с Джорджоне роспись амбаров Немецкого подворья в Венеции. После смерти Джорджоне, в 1511 г., Тициан расписал в Падуе несколько помещений scuolo, филантропических братств, в которых несомненно ощущается влияние Джотто, работавшего некогда в Падуе, и Мазаччо. Жизнь в Падуе познакомила художника, конечно, и с произведениями Мантеньи и Донателло. Слава к Тициану приходит рано. Уже в 1516 г. он становится первым живописцем республики, с 20-х годов – самым прославленным художником Венеции, и успех не оставляет его до конца дней. Около 1520 г. герцог Феррарский заказывает ему цикл картин, в которых Тициан предстает певцом античности, сумевшим почувствовать и, главное, воплотить дух язычества ("Вакханалия", "Праздник Венеры", "Вакх и Ариадна").