Все художники пленэра исходят из замеченного ими факта, что цвет тени зависит от окружающих цветов, и, следовательно, тени не должны писаться в черно-серых тонах, а переливаться тысячью оттенков. Этот принцип находит свое наилучшее воплощение в работах Ренуара, таких как «Качели». Пятна света, проникающие сквозь трепещущую на ветру листву, определяют взаимосвязь света и тени: блики оживляют изображение, приводят его в движение. Тени пятнами ложатся на одежду, липа, стволы деревьев, тропинку в цветных бликах, названных некоторыми критиками чересчур «смелыми».
Стиль Моне и Ренуара казался небрежным. Такие картины, как «Качели», воспринимались лишь как наброски, совершенно неготовые для показа, «как обещание картин, которые никогда не будут написаны».[7]
Картины живописца долго не продавались, поскольку публика не признавала искусство импрессионистов. Однако выставки давали полезные знакомства. Удачной была встреча с супругами Шарпантье. Мадам Шарпантье имела в Париже свой салон. Именно здесь Ренуар познакомился с актрисой Жанной Самари, с которой написал три портрета[8].
Лиричный и живой погрудный «Портрет Жанны Самари» (1877, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва) написан изумительно. Благодаря позе молодой актрисы — она опирается рукой о подбородок, как в доверительной беседе, — ее прямому открытому взгляду, обращенному прямо на зрителя, и максимальному приближению изображения к краю картины, задается близкий контакт модели и зрителя, в чем заключается невыразимая прелесть портрета и невозможность остаться к нему равнодушным.
В портрете артистки Жанны Самари воплощен образ красоты, изящества, очарования, молодости. Цветовая гамма портрета, нежная и звучная, построена на сочетании голубовато-зеленых, рыжеватых и тончайших розоватых тонов. Отказавшись от темных теней, Ренуар вводит цветные тени, сообщающие впечатление жизненности и необычайной трепетности изображения.
В 1878 Ренуар вновь написал Жанну Самари в одноименной работе (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) — теперь уже в полный рост в роскошном белом платье со шлейфом, сильно обтягивающем стройную фигуру. И даже здесь, в парадном портрете, модель вступает в диалог со зрителем — чуть наклонившись к нему, пожертвовав прямой картинной расправленностью плеч и гордостью осанки, слегка приоткрыв губы. И снова — прямой открытый взгляд, не отпускающий зрителя.
Актриса предстаёт на портрете в полный рост, в интерьере на фоне восточной ширмы, роскошного ковра и раскидистой пальмы в медном кашпо. Естественна непринуждённая и характерная для героини поза с плавным жестом затянутых в белые перчатки рук. Длинное платье в оборках и со шлейфом выполнено мелкими мазками тёплых, цвета слоновой кости и розоватых тонов. Они оттеняют телесные краски лица. усиливают голубизну её глаз, отбрасываю рефлексы на пряди пушистых волос. Этот портрет, более официальный по характеру, Ренуар писал специально для салона, который требовал соблюдения живописных традиций.
3. Переосмысление творческого пути
Одна из самых известных работ Ренуара «Зонтики»(1881—1885, Национальная галерея, Лондон) была начата в расцвет импрессионистического периода его творчества, а закончена через пять лет, уже после знакомства художника с искусством мастеров Возрождения и переосмысления собственного живописного пути. В левой части холста женские фигуры написаны более мягко, а в правой появляется четкая контурная линия. На первый взгляд, кажется, что картина лишена композиции, и прохожие с раскрытыми зонтами хаотично наводнили улицу города. Однако прослеживается диагональное построение композиции: первая диагональ проходит от головы девочки в правой части полотна, подчеркивается тростью наклоненного зонта и завершается головами девушки и стоящего за ней мужчины в левой части. Вторая диагональ намечена линией трости зонтика в руках дамы, сопровождающей девочек. «Зонтики» стали последней большой картиной Ренуара, посвященной жизни современного ему города. Искусство Ренессанса наложило отпечаток не только па живописную манеру мастера, но и на выбор тем.
Огюст Ренуар, признанный мастер импрессионизма, со временем стал разочаровываться в разработанной им самим манере письма. Неудовлетворенный собой, он уничтожал некоторые написанные картины. С самого начала творческой карьеры художник всегда искал вдохновение и «подсказки» в искусстве прошлых эпох; когда-то становлению его творческой индивидуальности помогла живопись Буше, Фрагонара, Делакруа. Теперь он обратился к искусству Жана Огюста Доминика Энгра — гениального неоклассика и академиста, писавшего обольстительных обнаженных красавиц и необыкновенно мягкие женские портреты. К середине 80-х гг. в творчестве живописца наступает так называемый «энгровский период»[9]. Ренуар также стал использовать опыт мастеров Возрождения, с произведениями которых познакомился в Италии.
Постепенно вытесняется интерес Ренуара к пленэру, его все меньше интересуют жанровые сцены и портреты, заметно изменяется художественное видение. В полотнах этих лет (особенно в картине «Большие купальщицы», 1883—1885 гг.) чувствуется хорошо продуманное композиционное решение, линии рисунка становятся четкими и определенными, краски — менее яркими и насыщенным, приобретают «изысканность эмали», в результате чего в целом живопись кажется сдержаннее и холоднее. «Большие купальщицы» живописца (1887, Художественный музей, Филадельфия) — свидетельство влияния великих мастеров прошлого. Контурный рисунок, тонко выписанные обнаженные тела с нежной кожей, классические драпировки и компоновка фигур в пространстве представляют пирамидальную композицию в форме треугольника.
В 1897 Ренуар упал с велосипеда и сломал правую руку, что, на первый взгляд, не предвещало никаких проблем. Картины он научился писать левой рукой, но после этого перелома стал испытывать постоянные боли. Так начинался артрит, который постепенно, сковывал движения, а потом и вовсе парализовал его. Ренуар же продолжал писать в инвалидном кресле, превозмогая боль во всем теле до своей смерти 2 декабря 1919.
Произведения последних лет его жизни чрезвычайно многочисленны и разнообразны: портреты, пейзажи, «ню», керамика, скульптура. Пышущие здоровьем купальщицы, прекрасные одалиски, улыбчивые румяные дети продолжали оставаться для него символом природной гармонии и счастья. Он все так же смотрел на мир изумленными глазами художника, таящими в себе «смесь иронии и нежности, шутливости и неги», и не переставал удивляться его неувядающей красоте. До конца своих дней почти парализованный старец Огюст Ренуар, с трудом удерживая кисть в изуродованных ревматизмом руках, воспевал в своих полотнах гимн радостной, светлой и вечно юной жизни.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Обращение импрессионистов к различным сторонам действительности, к жизни улиц, вокзалов, кафе, баров, к образам современников различных сословий, профессий и общественных слоев, к городскому пейзажу расширило рамки реалистического искусства. А стремление передать быстрый ритм жизни большого города, уловить мгновенное состояние природы, атмосферы, освещения привело к поискам новых средств художественной выразительности, особой свежести и остроте восприятия, к освобождению палитры от музейной черноты, к просветленной красочной гамме. Со временем, однако, ясно обозначились и черты ограниченности творческого метода и мировоззрения импрессионистов. Погоня за точностью передачи мгновенного зрительного ощущения вытесняет в их искусстве глубину и всесторонность познания мира, этюд — картину, случайно схваченные эпизоды окружающего — темы высокого общественного значения, критической остроты. С середины 1880-х гг. импрессионизм изживает себя. Пленэр в пейзажах импрессионистов превращается в самоцель. После выставки 1886 г. группа распадается, хотя именно с этого времени возрастает воздействие импрессионизма на развитие искусства других стран, а спустя десятилетие начинает расти слава импрессионистов, получающих официальное признание.
Импрессионизм, открывший перед искусством новые горизонты, стал началом грандиозной художественной революции, отделившей классическое искусство от того комплекса явлений, которые принято называть современным искусством или модернизмом. Внутри импрессионизма выросли пуантилисты Жорж Сёра и Поль Синьяк, создавшие на своих полотнах эффект «оптической смеси» (зрительного смешения цветов и тонов). Из него вышли грандиозные фигуры Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, Поля Гогена, стремившихся запечатлеть то, что стоит за внешним. Крупнейшие мастера авангарда прошли через увлечение импрессионизмом, прежде чем найти собственный путь в искусстве.
ЛИТЕРАТУРА:
1. Абеляшева, Г.В. Импрессионизм: науч.-поп. изд. [Текст]/ Г.В. Абеляшева. – М.: ООО «Издательство «РОСМЭН-ПРЕСС», 2004.
2. Ионина, Н.А. 100 великих картин [Текст]/ Н.А. Ионина. – М.: Вече, 2001.
3. История зарубежного искусства [Текст]: учебник / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – 3-е доп. изд. – М.: Изобразительное искусство, 1983. – 488с. : ил.
4. Клод Моне [Текст]/ Автор текста Д. Перова. – М. – Изд-во «Директ-Медиа», 2010.
5. Культурология. История мировой культуры [Текст]: учебник для вузов / Под ред. А.Н. Марковой. – 2-е изд., перераб. и доп. – М.: Культура и спорт, ЮНИТИ, 1998.