Рассмотрим, есть ли эти чувственные добродетели в искусстве?! Сочувствие и сострадание (чувственная основа) возникают из непосредственного человеческого общения, а музыка, как известно, рождается, строится на непосредственной чувственной основе. Причем мелодика, составляющая одно из оснований музыки, строится на обобщении звукового, интонационного фона, где интонация человеческой речи играет ведущую роль. Художественный образ не передает точную понятийную информацию, а обладает высокой степенью художественного обобщения, тонко выражает одновременно и «состояние мира» и «состояние человека». То самое духовное начало, которое, по сути, было отодвинуто глубоко назад в нашем общественном сознании в силу «пансоциализации» нашего бытия в последние полстолетия, теперь начинает реабилитироваться.
Воздействие музыки на человека можно поделить на ряд параметров:
a) развитие психики, моторных способностей и концентрации;
b) стимуляция интеллектуального развития;
c) развитие способностей человека к общению, взаимопониманию и сотрудничеству;
Ключевым ядром, обнажающим внутреннее состояние человеческого отношения в целом к музыке – выступает переживание. Именно переживание, как исходный и центральный «продукт» эстетической реакции человека, обеспечивает становление эстетического потенциала субъекта. Поэтому процесс организации общения человека с музыкой или искусством направлено на совершенствование духовного мира человека.
«Основное предназначение уроков музыки – вызвать у школьников сопереживание тому, что звучит в музыке…» – это один из краеугольных камней» методики. Эстетическое переживание не заканчивается на последнем аккорде произведения, оно продолжает жить и воздействовать в душе и сознании как внутренняя сила света, совести, правды.
«Моцарт (Бетховен, Чайковский, Пушкин и т. д.) – гений! Он так написал, и что тут оспаривать и искать? Слушайте (читайте, смотрите) и наслаждайтесь…. А затем… скажите, что понравилось?!» – это часто слышим от учителей гуманитарных дисциплин (музыки). Но чем должен школьник наслаждаться, просто звучанием или красотой отношений, поступков, души героев произведения? Мы анализируем произведение, разрезая его на куски, и при этом теряем что-то важное, ведь начинает главенствовать логика, а не идея автора, его переживания или сопереживание (со-проживание) герою. Тогда что важнее в уроке: понимание произведения или жизни? Учитель не популяризатор чьих-то проблем, идей, открытий, а творец собственных, пусть незначительных, спорных, но непременно собственных. С них-то творческая личность и начинается, а растет по мере углубления этого процесса. В идеале необходимо соединить стилистику и совестливость (анализ и синтез произведения искусства можно позволять себе когда ты уже состоялся как личность), красоту искусства и красоту души, видеть в искусстве и полезное и прекрасное. Детям теоретически доказывать ничего не приходится: у них слышит душа, искренне видит и чувствует сердце, - они чувствуют не сиюминутные, мелкие переживания, а проживают идею автора, которая «стоит» за звучанием, т. е. урок должен быть человекоформирующим. Такие уроки подразумевают импровизацию, т. к. невозможно просчитать как сложится общение с классом. Импровизация подразумевает полифонию, т. е. работу в классе всех без исключения, а у каждого свое видение и чувствование мира (жизни) и произведения. Но т. к. учитель ведет линию урока, то все участники процесса включаются в со-импровизацию!
Переживая эстетические эмоции, ребенок начинает испытывать эстетическую реакцию, которая, как показал еще Аристотель, всегда положительна, даже если гибель героев торжествует над здравым пониманием жизненных коллизий. Поэтому на уроке и преобладает сотворчество с автором – не он, а ты писал произведение вместе с ним, и самовыражение, без которого нет и не может быть сотворчества. К. Д. Ушинский писал, что «ученик – не сосуд, который надо наполнить, а факел, который надо зажечь». В культуре бытие открыто, а в повседневности закрыто. Учитель стоит на границе культуры и повседневности – трансцендентального и феноменального, до символического и чувственно-материального. Здесь-то, как нас учит М. М. Бахтин, и происходит событийная встреча человека с автором и героем художественного творения, историческим персонажем или философской идеей. Миссия же учителя отягощена, что войдя в этот круг он должен ввести в него и своего ученика. Для ученика такая встреча с учителей будет открытием новых миров, реально изменит его жизнь, потому что он сможет ощутить в этом случае, что есть Учитель и повыше его школьного наставника. Войдя в духовную культуру, ученик научится жить в ней и действовать по законам Добра и Красоты. Следовательно, считая, что слово «образование» происходит от слова «образ», можно утверждать: «Образованный человек – человек, в котором доминирует образ человеческий», живущий по законам добра и красоты (А. В. Луначарский). Значит целью будет «подготовка культурно-восприимчивой к музыке среды, способной усвоить все ценное», с помощью соимпровизации. В ее основе лежит экспромт, раскованный, непринужденный, допускающий не только находки, но и просчеты, ибо одно без другого, закон диалектики, невозможно. Чтобы соимпровизация удалась необходимо найти ключевую интонацию (деталь) произведения.
Доминанта урока – общение (метод духовного контакта через 5 глаголов) + 3 ипостаси любого учителя: предметник, врач, художник. При таком структурировании урока очень важен «эффект удивления», неожиданности (А. Бородин – композитор и химик), эмоционального потрясения, тогда художественные эмоции возникнут как переживание общечеловеческого (ребенок уйдет с урока с противоречием между собой нынешним и собой будущим). Кроме того, учитель музыки владеет уникальным явлением в мировой практике музыкального образования детей – интонационно-стилевой концепцией Д. Б. Кабалевского.Ведь процесс сопереживания и сотворчества, а, следовательно, духовного становления, основан на интонационном подходе в искусстве. «Сопереживание выражает специфически эмоциональное отношение к героям произведений и подразумевает разные градации сочувствия им, сопряженного часто с взволнованным сораздумьем. Сопереживание как бы отстраняет человека от себя, осуществляет процесс вживания в Другого. Сотворчество, наоборот, держит человека на позиции отстранения от Другого, не дает «покинуть себя». Борьба этих двух явлений включает человека в процесс саморазвития». Итак, искусства напрямую обращены к проблемам отношения человека к миру, проблемам самопонимания. Но если гуманитарные науки будут решать их на уровне логики, стремясь к точному знанию, то мы потеряем главное – духовность жизни и искусство. Мы наблюдаем печальное явление – дети перестают читать, еще более тревожное – их никто не учит смотреть визуальные искусства, осваивать их язык, чтобы уметь пользоваться этой информацией. А если учесть, что нестабильное, трагическое социальное состояние современного бытия трансформирует, болезненно искажает самые светлые, идеально-возвышенные, прекрасные стороны жизни, то ситуация покажется без исходной… А. П. Чехов в свое время писал: «Добру еще нужно доказать, что оно добро. Красота в таком доказательстве не нуждается». Можно ли научить человека счастью? Можно, – убежден художник, мастер педагог Б. Неменский, объясняя: ведь у подлинного счастья две стороны – счастье человеческого общения, взаимопонимания, сопереживания и счастье творческого труда, и способности к обеим сторонам счастья формирует искусство.
«Формула счастья»:
| Со - | учитель | Участие Чувствие Переживание Гласие Звучие Дружество Творчество |
Сегодня доказано учеными, насколько состояние всей планеты напрямую зависит от уровня духовности людей. Негативная информация, выбрасываемая человеком в атмосферу в словах, отрицательных эмоциях, действиях и т.п. также сильно отравляет экологию всей планеты, как и вещественное загрязнение. Очищение мира от бездуховности сегодня является первостепенной задачей каждого человека. «Надо думать не только о том, чтобы все стали лучше, но, прежде всего, чтобы самому стать лучше» (Л. Н. Толстой).
P. S. «Личность развивается в течение всей жизни из темных или даже вовсе необъяснимых задатков, и только наши дела покажут, кто мы есть… Мы не знаем наперед, какие дела и злодеяния, какая судьба содержатся в нас; и только осень покажет, что было зачато весной» (К. Г. Юнг).
Критерии диагностики и оценки духовного
(художественно-творческого) развития
учащихся на уроках музыки
В настоящее время очень популярны тесты. Однако тесты для предметов образовательной области «Искусство» неприемлемы. В тестах проверяются конкретные знания, информация, которая ничего не значит для души и сердца, не развивает мышления. Поэтому в данных методических рекомендациях вопросы составлены творчески, чтобы учащиеся, отвечая на них, размышляли, думали, чувствовали, а, следовательно, сопереживали, проходя этапы духовного становления (по формуле Б. Неменского). Основанием для вопросов в 5-х – 8-х классах служил «Золотой фонд» (прилагается ниже), кроме того, вопросы сформулированы так, чтобы дети смогли ответить на них и по незнакомому музыкальному произведению. В начальной школе оценка успешности музыкального, художественно-творческого, а значит, духовного развития ребенка может носить, на наш взгляд лишь стимулирующий (поощрительный) характер. Она должна учитывать индивидуальный исходный уровень общего и музыкального развития школьника, интенсивность формирования его музыкально-слуховых представлений, практических умений и навыков, накопление первичных (музыкально «озвученных») сведений и знаний о музыке. Ни отсутствие ярко выраженного интереса к музыкальным занятиям и очевидного эмоционального отклика на музыку, ни скудность речевых (вербальных) характеристик воспринимаемой и исполняемой музыки, ни нарушение координации между слухом и голосом, слухом и моторно-двигательными проявлениями в процессе коллективного и индивидуального музицирования не могут служить поводом для отрицательной оценки действий учащегося на уроках музыки. Именно невозможность привести к «общему знаменателю» музыкальное развитие ребенка на начальном этапе массового музыкального образования, отсутствие у учителя возможности корректировать индивидуальный рост учащегося в условиях коллективных форм работы на уроке музыки, а тем более в кругу семьи, вызывает необходимость бережного, внимательного отношения педагога к оценке детских опытов общения с музыкой. Поэтому критерии оценки музыкального развития учащихся