Советские композиторы тоже писали о своем первом космонавте. Правда, по сложившемуся в СССР обыкновению, эти песни были гораздо более пафосными. В 1971 году Александра Пахмутова посвятила Гагарину целый цикл «Созвездье Гагарина», самым известным номером из которого стала «Знаете, каким он парнем был!» («Он сказал: «Поехали!». Он взмахнул рукой. Словно вдоль по Питерской, Питерской, Пронёсся над Землей...»).
Однако настоящий взрыв «космической» музыки произошел именно на Западе - в конце 1960-х годов. Его причинами стало сочетание нескольких факторов: гигантский прорыв человечества в освоении космоса, электрификация поп-музыки и распространение психоделических препаратов.
Американская и британская альтернативная культура того времени не ограничилась простым упоминанием космоса и космонавтов в текстах песен. Ее представители попытались описать новую эру музыкальными средствами и создали множество записей, которые некоторые критики объединяют как «космический рок» [5].
Пределы этого явления довольно размыты, однако критики соглашаются, что его корни лежат в произведениях немецкого композитора-авангардиста Карлхайнца Штокхаузена. Именно его новаторские решения в области электронной музыки повлияли на развитие фри-джаза, а позже и «космо-рока».
Вдохновившись телерепортажами о приземлении человека на Луну, вооружившись электрогитарами, а иногда изменив восприятие действительности при помощи галлюциногенов, музыканты попытались с помощью нот поведать, каково это - побывать в космосе. Конечно, в буквальном смысле они не совершали полетов в иные миры, но отчего-то думали, что знают, как их описать.
Длившиеся часами концерты Grateful Dead, гитарные соло Джимми Хендрикса (на одном из альбомов которого присутствует эпизод с инопланетянином), световые шоу и ревущие звуки - все это, с точки зрения многих, имело явно не земное происхождение. Любопытно, что и слушателей такой музыки - с их яркими нарядами и невообразимыми прическами - обыватели воспринимали как пришельцев из космоса.
Сан Ра - один из самых экстравагантных и авангардных джазовых музыкантов и основатель «космической философии» - вообще утверждал, что побывал на планете Сатурн.
Но наиболее известным представителем «космического» направления в рок-музыке можно считать «Pink Floyd». Уже первые альбомы группы были озарены светом далеких звезд: на них зримо присутствовали «межзвездные перелеты», астрономия и неземные светила. А самым эпохальным альбомом - как в истории группы, так и всего «космо-рока» - считается шедевр 1973 года The Dark Side of the Moon («Обратная сторона Луны»). Несмотря на всю космическую атрибутику, сами музыканты не скрывали, что даже в самых дальних межзвездных путешествиях они пытались исследовать вполне земные проблемы. Объясняя небывалый успех «Обратной стороны Луны», Роджер Уотерс говорит, что космические явления он использовал как метафору мироздания, относительности и иллюзорности всего, что оно содержит.
«С точки зрения лирики, альбом философски привлекателен для каждого последующего поколения, поскольку в нем есть ощущение, позволяющее подвергать сомнению все что угодно, - рассказал музыкант журналу Billboard. - Это очень привлекательно для любого, кто только что достиг половой зрелости и начинает погружаться в окружающую действительность» [5]. Уотерс считает, что «на этом альбоме музыка, так же как и лирика, заставляет задуматься о самых главных вопросах человеческого бытия» [5].
Точно так же еще одно знаменитое музыкальное произведение на космическую тему - эпохальный альбом Дэвида Боуи под длинным названием «The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars» («Взлет и падение Зигги Стардаста и Пауки с Марса») - на самом деле посвящено закату эпохи 1960-х. По сюжету истории, которую рассказывает Боуи, марсианин Зигги приходит на Землю, чтобы спасти ее от пошлости. В своих повадках он очень похож на рок-звезду: несдержан в отношениях, принимает наркотики и призывает всех своих почитателей к миру и любви. Но в результате Зигги становится жертвой своих вредных привычек, и его разрывают на части поклонники. Подобная судьба ждала многих молодежных героев того времени.
С течением лет покорение Вселенной перестало волновать умы людей так сильно, как это было в 1960-х и 1970-х. Человек освоился в невесомости: полет на Луну больше не поражает его воображение, но он и не надеется отправиться туда на экскурсию через каких-нибудь пять-десять лет.
Группа «Ундервуд» несколько лет назад прославилась с хитом «Гагарин, я вас любила». Эта песня, в свою очередь, была написана под влиянием одноименного документального фильма украинского режиссера Валентины Руденко, которая действительно была с детства влюблена в первого советского космонавта и сделала ленту о его вдове Валентине... «Как будто правда, что Млечный Путь. Господь спустил ему на лампасы. Его погоны горят, как ртуть, он так прекрасен, что нас колбасит», - поет «Ундервуд».
Новый подход к первооткрывателю космоса позволил В.Руденко и музыкантам из «Ундервуда» рассмотреть в Гагарине живого привлекательного человека - вопреки советской пропаганде и множеству публикаций на Западе, благодаря которым первого космонавта многие видят исключительно в образе памятника.
Наши космонавты не утрачивая опыт общения с «космической музыкой», слушают на орбите альбом Дидье Маруани «Space Opera», который был запущен в космос в 1988 году.
Композитор и аранжировщик Дидье Маруани в России в 2002 году представлял свой новый альбом «Symphonic Space Dream», в работе над которым принимал участие Санкт-Петербургский симфонический оркестр. Мировая премьера новой программы состоялась 1 ноября 2001 года на Украине, в Киеве, при участи Национального симфонического оркестра. В интервью (см. прилож.2) на пресс-конференции он сказал, что ему было интересным соединить Вселенную классической музыки и Вселенную электронной музыки, потому что их нельзя разделять, так как музыка одна, общая [5]… В своем альбоме «Symphonic Space Dream» композитор использовал все самые важные достижения электронной музыки в сочетании с симфоническим оркестром.
Таким образом, «космическая музыка» - это музыка любого стиля или направления, энергетика которой проникает в слушателя и способна вызвать эмоции сострадания или причастности тебя к великому свершению, ощущение того, что ты – часть мироздания или песчинка во Вселенной.
Мы считаем, что сочинение и слушание космической музыки – это способ людей забыть о земных проблемах, чтобы получить романтические представления о покорении космоса, попытка узнать больше о себе как о частичке Вселенной, забираясь все дальше в неизведанные миры. Анализ «космической музыки» будет представлен в следующей главе нашего исследования.
1.2 Лев Термен и его изобретения
Дворянин по происхождению, Лев Термен был всесторонне образованным человеком: закончил Петербургскую консерваторию по классу виолончели, физический и астрономический факультеты университета. Его долгий жизненный и творческий путь представлен нами в приложении 3.
Везде, где мы нашли какие-либо сведения о Термене и его изобретениях, говорится и о «двуличности» терменвокса. Ведь этот аппарат, сконструированный в 1920 году, мог работать не только как музыкальный инструмент, но и как охранный сигнализатор для особо важных объектов. Если музыкальный звук возникает из ничего, «по мановению руки», то почему бы и сирене не заводиться от взмаха злоумышленной лапы в дырявой перчатке? (см. прилож. 4).
Если среди электронных музыкальных инструментов и могут быть свои аристократы, то терменвокс (он же эфирофон), безусловно, относится к таковым. Аристократизм его проявляется и в безусловной уникальности - это единственный музыкальный инструмент, играть на котором можно, не прикасаясь к нему, - и в сложности освоения, и в звучании.
Главной частью терменвокса являются два высокочастотных колебательных контура, настроенные на общую частоту. Электрические колебания звуковых частот возбуждаются генератором на электронных лампах, сигнал пропускается через усилитель и преобразуется громкоговорителем в звук. Наружу «выглядывают» антеннообразный стержень и дуга - они-то и выполняют роль колебательной системы устройства.
Согласно Большой Советской Энциклопедии, исполнитель управляет работой Терменвокса, изменяя положение ладоней. Двигая рукой вблизи стержня, исполнитель регулирует высоту звука. «Жестикуляция» в воздухе около дуги позволяет повышать или понижать громкость звучания. «Терменвокс может звучать как скрипка, виолончель, флейта и так далее (тембр звука определяется режимом работы генератора)», — гласит энциклопедия [1]. Играть на таком инструменте чисто, без фальши, было неимоверно трудно. Гораздо труднее, чем при игре на скрипке и, тем более, на клавишных инструментах.
У фортепиано, органа, аккордеона или, на худой конец, современного синтезатора, каждой отдельной клавише соответствует звук чётко установленной высоты. «Смазать» можно, конечно, но только если промахнёшься по нужной клавише. На скрипичном грифе, равно как и на грифе альта, виолончели, контрабаса и безладовой бас-гитары, например, чётких обозначений, в каком месте следует зажимать струну, чтобы получить нужный звук, нет. Потому-то эти инструменты настолько тяжело осваивать: нужны долгие годы усердных тренировок (не говоря уже о прекрасном слухе), чтобы «автоматически» попадать в нужную точку на грифе. Но и то, рука исполнителя движется здесь в одной плоскости - вверх или вниз. А при игре на терменвоксе движения осуществляются в пространстве без контакта с антенной. Представляете, насколько трудно играть на таком инструменте?