План
Введение
1 Технология изготовления
2 Аттическая вазопись
2.1 Истоки
2.2 Вазописцы-пионеры
2.3 Поздняя архаика
2.4 Период ранней и зрелой классики
2.5 Период поздней классики
2.6 Керченские вазы
2.7 Вазописцы и их произведения
3 Вазопись Нижней Италии
3.1 Апулия
3.2 Кампания
3.3 Лукания
3.4 Пестум
3.5 Сицилия
4 Вазопись Этрурии и других регионов
4.1 Псевдо-краснофигурная вазопись
4.2 Краснофигурная вазопись
5 Исследования и влияние
Список литературы
Введение
Краснофигурная вазопись — одна из наиболее известных техник древнегреческой вазописи. Она появилась приблизительно в 530 г. до н. э. в Афинах и просуществовала вплоть до конца IV в. до н. э. За несколько десятилетий краснофигурная вазопись вытеснила господствовавшую до этого чернофигурную вазопись. Своё название краснофигурная техника получила благодаря характерному соотношению цветов между фигурами и фоном, прямо противоположному чернофигурному: фон — чёрный, фигуры — красные. Главными центрами производства краснофигурной керамики, помимо Аттики, были гончарные мастерские Южной Италии. Краснофигурную технику восприняли многие регионы Древней Греции. Значимый вклад в её развитие внесли вазописцы Этрурии.
Краснофигурные вазы из Аттики распространились по всей Греции и за её пределами и долгое время занимали лидирующее положение на рынке высококачественной расписной керамики. Лишь немногие гончарные мастерские могли сравниться по качеству, производительности и богатству творческих идей с вазописцами из Афин. До нашего времени сохранилось более 40 тысяч экземпляров и фрагментов краснофигурных ваз, созданных в Афинах, и более 20 000 — созданных в Южной Италии. Краснофигурная вазопись основательно исследована археологами и историками искусства. Установлена принадлежность значительного количества керамических сосудов конкретным группам вазописцев. Изображения на краснофигурных вазах являются важным источником информации для культурно-исторических исследований, в том числе для изучения быта и особенностей повседневной жизни эллинов, их ритуалов и воззрений, а также древнегреческой мифологии и иконографии мифологических персонажей.
1. Технология изготовления
Фактически краснофигурная роспись — это чернофигурная вазопись наоборот. Перед обжигом на поверхность подсохшей вазы наносились контуры человеческих фигур и остальные детали изображения. Необожжённая глина в Аттике, к примеру, была оранжево-красного оттенка. Набросок рисунка наносился лёгким штрихом каким-либо тупым инструментом, либо намечался древесным углём, который исчезал после обжига. Далее контуры рисунка обводились кистью с шликером. На некоторых готовых вазах виден след наброска, особенно если конечный вариант отличался от первоначального замысла вазописца. Основные контуры рисунка проводились шликером рельефной, выпуклой линией, вероятно, кистью из щетины[1]. Остальные линии и тонкие линии внутри изображения прорисовывались разведённым раствором шликера. Кроме двух основных цветов в изображениях встречаются и другие цвета — белый и красный. Чётко выраженные рельефные линии требовались для того, чтобы достаточно жидкий шликер не создавал эффекта излишней матовости. В заключение фон между фигурами внутри изображения покрывался матово-серым шликером. Вазы проходили трёхкратный обжиг, в результате которого шликер приобретал свой характерный чёрный или тёмно-коричневый цвет.[2]
У нового стиля были явные преимущества, и, прежде всего, к ним следует отнести возможность детальной проработки изображения. В технике чернофигурного стиля линии внутри рисунка высекались по нанесённой краске, что не обеспечивало достаточной точности изображения. По сравнению с чернофигурными силуэтами, выглядящими как тени, краснофигурные изображения стали динамичнее и приблизились к жизни. Кроме того, красные фигуры отличались большей контрастностью на чёрном фоне. Появилась возможность изображать людей не только в профиль, но и анфас, со спины или в три четверти. Краснофигурная техника позволяла лучше передать глубину и пространство.
Однако стиль имел и недостатки. Привычное для чернофигурного стиля изображение женского тела с помощью белой краски стало невозможным. Ценителям вазописи стало сложнее определить пол изображённого человека по одежде или причёскам, поскольку герои и боги изображались молодыми и безбородыми. На начальном этапе сложности представлял и расчёт пропорций фигур. В чернофигурной вазописи линии контуров визуально входили в изображённую фигуру. В краснофигурной вазописи контуры проводятся той же чёрной краской, что и фон вазы, поэтому контуры фигур становились частью фона и сливались с ним. Поэтому сначала фигуры на вазах, выполненных в новом стиле, получались достаточно худыми. Другой проблемой были ограниченные возможности передачи пространственной глубины на чёрном фоне. Но преимущества краснофигурного стиля всё-таки перевесили его недостатки.
2. Аттическая вазопись
Чернофигурная вазопись появилась в Коринфе в VII в. до н. э. и стала господствующим стилем в ареале расселения древних греков и даже далеко за его пределами. Помимо Коринфа возникли и другие центры производства. Сначала афинские гончарные мастерские копировали коринфский стиль. С течением времени Афины и Коринф поменялись местами. Мастерство аттических вазописцев поднялось до невиданных доселе высот, свой творческий потенциал они полностью исчерпали ко второй трети VI в. до н. э. Приблизительно к 530 г. до н. э. относится творчество самого известного представителя чернофигурного стиля вазописи — Эксекия. В течение V в. до н. э. тонкая краснофигурная керамика из Аттики лидировала в своей отрасли. Керамические изделия из Аттики распространились по всей греческой метрополии и даже завозились в Этрурию. Популярность этой керамики привела к открытию в нижней Италии и Этрурии мастерских и «школ» аттической вазописи, которые однако получили известность исключительно в соответствующем регионе.
2.1. Истоки
Первые вазы в краснофигурном стиле появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику изобрёл вазописец Андокид. Первоначально Андокид и другие приверженцы нового стиля (например, Псиакс) расписывали вазы в двух стилях одновременно: на одной стороне вазы изображение выполнялось с чёрными фигурами, а на другой — с красными. Такие сосуды (например, в экспозиции Государственного античного собрания в Мюнхене), называются билингвами. По сравнению с чернофигурным стилем это был уже большой шаг вперёд, однако фигуры на них выглядели достаточно скованно, а сюжеты редко сочетались между собой. На этих вазах ещё можно отследить приёмы, заимствованные из старого стиля, как, например, насечки контуров изображений или покрытие значительных участков красной краской.[3]
2.2. Вазописцы-пионеры
Первыми преимущества нового краснофигурного стиля оценили так называемые вазописцы-пионеры. Их творчество приходится на 520—500 гг. до н. э. Наиболее известные из них — Ефроний, Евфимид и Финтий. Выделенная на основе искусствоведческих исследований вазописная группа известна своими творческими экспериментами, открывавшими возможности нового краснофигурного стиля. Так, человеческие фигуры они изображали в новых положениях — со спины и анфас, художники экспериментировали со сжатой перспективой и использовали более динамичные композиции. Ефроний первым применил новый приём вазописи — рельефную линию. Благодаря тому, что многие вазописцы-пионеры были одновременно и гончарами, появились новые формы керамических сосудов: псиктер и пелика. Вазописцы-пионеры предпочитали в керамике большие формы и работали с амфорами и кратерами крупного размера. Несмотря на то, что вазописцев-пионеров не связывало какое-либо реальное объединение, они общались между собой, оказывая влияние друг на друга, между ними существовало дружеское творческое соревнование, стимулировавшее творческое развитие художников. Так на одной из ваз Евфимида красуется хвастливая надпись-граффити: «как никогда не умел Ефроний». Именно для вазописцев-пионеров было характерно наличие надписей на вазах.[3]
В новом краснофигурном стиле расписывались не только сосуды, но и чаши. Так, например, Ольтос и Эпиктет расписывали чаши-билингвы, у которых краснофигурная вазопись находилась на лицевой стороне.
2.3. Поздняя архаика
Расцвет краснофигурного стиля — заслуга следующего за вазописцами-пионерами поколения художников поздней архаики (прибл. 500—470 гг. до н. э.). В этот период недостатки чернофигурной вазописи стали очевидны, и она была практически полностью вытеснена новым стилем. На это время приходится творчество наиболее известных вазописцев: Берлинского вазописца и Клеофрада, расписывавших сосуды, и Онесима, Дуриса, Макрона и Брига, расписывавших чаши. Улучшается не только качество продукции, но и её объём увеличивается вдвое. Афины становятся ведущим центром в производстве тонкой керамики в Средиземноморье, почти все региональные гончарные центры за пределами Аттики потеряли своё значение.[4]
Успех аттической керамики обусловило великолепное владение местными вазописцами перспективой, обеспечившее бо́льшую естественность и подвижность в изображении человеческого тела. Для росписи почти не используется орнамент, сократилось количество изображаемых лиц, исчезли анатомические детали. Но вазопись обрела новые темы. Особой популярностью стали пользоваться сцены из мифа о Тесее. Вазописцы экспериментируют с новыми формами керамических сосудов: появляется ноланская амфора, лекиф, фиалы типа В и динос. Вазописцы стали выбирать себе специализацию на определённых видах керамики.
2.4. Период ранней и зрелой классики
Особенностью раннеклассического изображения людей был их низкий рост и отсутствие в изображениях динамики. Поэтому они производили серьёзное и патетическое впечатление. Складки одежды на изображениях наоборот стали более мягкими и пластичными. Произошли изменения и в типологии самих изображений. Во-первых, вазописцы стали часто изображать не только сами моменты событий, но и сцены, непосредственно предшествующие им. Во-вторых, в вазописи нашли отражение и другие новые достижения афинской демократии. Прослеживается влияние древнегреческой трагедии и практически не сохранившейся древнегреческой настенной живописи. Вазописцев зрелой классики вдохновлял Парфенон и его скульптуры, что в первую очередь отразилось в технике изображения одежды. Ниспадающие складки ткани выглядели на изображениях более естественными, что придавало большую глубину изображению. Композиции изображений ещё более упростились. Художники особо ценили симметрию и гармонию. Ставшие опять более стройными человеческие образы излучали внутреннее, почти божественное спокойствие.[4]